viernes, 5 de diciembre de 2014

Black Is The Color Of My True Love's Hair - Peter Hollens & Avi Kaplan


Esta canción chámase Black is the color of my true love's hair, orixinalmente de Nina Simone pero neste caso é interpretada por Peter Hollens e Avi Kaplan. É cantada completamente a capella, sen instrumentos. Está composta cunha base feita alternando acordes conxuntando as dúas voces. Esta canción ten tres partes: na primeira, canta soamente Peter, que ten unha voz suave máis ou menos aguda (tesitura de tenor), despois segue Avi cun cambio de voz moi grave (tesitura de baixo) e por último, cando xa estamos chegando ao punto culminante xúntanse as duás voces para darlle máis forza e potencia (mesturando as texturas) .

Gústame esta canción polas preciosas voces que teñen eles facendo un contraste de voces que me encanta. Tamén paréceme moi interesante as cancións interpretadas a capella xa que detrás do que escoitamos hai un gran traballo de precisión e tamén necesita técnica para que as voces se fagan unha soa e non se escoite unha por riba doutra.


jueves, 20 de noviembre de 2014

5 SECONDS OF SUMMER - AMNESIA




“Amnesia” é unha canción interpretada por 5 Seconds Of Summer ou 5SOS. 5SOS está composto por cinco cantantes: Luke Lemmings (guitarra e voz), Calum Hood (baixo e voz), Michael Clifford (baixo e voz) e Ashton Irwin (batería e voz).

Esta canción é unha balada acústica que narra ou describe a situación na que un se atopa cando pasas por unha ruptura amorosa.
Desta canción, sen duda, o que máis me gusta é a letra, identifícome moito con ela e chégame moito ao corazón.
A súa melodía tamén axuda bastante a transmitir ese sentimiento de tristeza e soidade que intentan expresar os cantantes.
O meu momento preferido da canción (punto culminante) é cando a intensidade da música baixa e quédase Luke cantando así como se estivera cantándolle á súa moza dicíndolle que “se todo isto fose un torturador soño e estiveran todavía abrazados fortemente coma nunca antes sen nunca se separar”.

Pódese dicir que esta é unha das miñas cancións preferidas do grupo polo feito de que me identifico moito con ela, e cunha frase que é a frase estrela da canción: “I wish that I could wake up with amnesia and forget about the stupid little things” (“gustaríame levantarme con amnesia e olvidarme das pequenas estúpidas cousas”).




jueves, 13 de noviembre de 2014

RAYDEN - MI PRIMERA PALABRA con SHARIF y FYAHBWOY

Gústame esta cación en principio pola súa letra e o contrasté da súa temática cun estilo coma o hiphop español que non soe tratar temas tan sentimentales como é o amor a unha nai. Tamén gústame a súa base musical, que combina instrumentos coma o caixón flamenco e a guitarra española con algúns fragmentos de scratch, dando como resultado unha canción sentimental que se sae un pouco das expectativas.

Nuria

sábado, 8 de noviembre de 2014

domingo, 2 de noviembre de 2014

The Outsiders-Needtobreathe



Escogí esta canción porque es de las que más me gustan de este grupo, por la variedad de instumentos que ofrece y porque emplea voces y adornos vocales pocos comunes que en la música ``moderna´´ de hoy en día no se suelen valorar.
Needtobreathe es un grupo de rock con influencias del country y rock sureño, que añade a sus canciones instrumentos como la harmónica, banjo, órgano,,,
Me gusta bastante la voz del vocalista por la técnica que usa para dar a la canción un rollo más rasgado. 
En el caso del videoclip, es una técnica de "nos reunimos unos amigos para tocar de cualquier manera, sin preparación" para crear un ambiente más autentico y creíble, y se demuestra esta técnica de fasa diégesis con la imagen al final del vídeo de la mesa de mezclas y el técnico de sonido. 
Bear Rinehart-Vocalista y guitarrista
Seth Bolt-Bajísta y corista
Bo Rinehart-Banjo, guitarra, harmónica y corista
Joe Stillwell-Batería

Darío

sábado, 1 de noviembre de 2014

DON´T STOP – 5 SECONDS OF SUMMER

Esta canción es una de las que más me gustan de este grupo .
5 seconds of summers es un grupo australiano que se dio a conocer a través de One Direction.
Los instrumentos que intervienen son :
-Una batería (Ashton Irwin)
-Dos bajos (Michael Clifford y Calum Hood)
-Una guitarra eléctrica (Luke Hemmings)
Principalmente me gusta la manera en la que están colocados los instrumentos para tocar, siempre están colocados de la misma forma :
Bateria
Bajo Guitarra Bajo
Me parece destacable la combinación que hacen, provocando que cada uno tenga su parte destacable mientras va transcurriendo la canción.
Mi parte favorita es la del solo de Luke , porque me parece que tiene una voz muy buena y que en esa parte se luce bastante.
En general se podría decir que es una canción que a mí, personalmente me motiva, por su ritmo pegadizo (la primera vez que la escuché se me quedo en la cabeza durante dos semanas).
Cabe destacar también la parte final de la canción, donde se aprecia mejor la voz del batería, Ashton, haciendo una segunda voz en el penúltimo estribillo, que después se traslada a ser primera cuando Michael pasa a hacer una segunda voz en el último estribillo.
La letra , personalmente no es lo que más me llama la atención pero tampoco esta mal, aunque las hay mejores ( y peores también).


Ana



HUMAN (Christina Perri)





HUMAN, es una canción de Christina Perri.
Fue escrita por ella misma y por Martin Jonhson.
Es una balada “pop” compuesta por la melodía del piano y la voz de la cantautora. Incorpora también una batería e instrumentos de cuerda como violines… y unos coros que hace ella misma al final de la balada. A medida que avanza la canción aparecen más instrumentos hasta llegar al final dónde la canción se “transforma” y suena con más fuerza.  En ese aspecto pienso que  la melodía se corresponde a lo que la autora quiere transmitir: “ Esas ganas de darlo todo por él, de intentar  lo imposible, su persistencia por estar junto a él)”.
Es una canción muy personal que habla sobre la vulnerabilidad del ser humano.
Se trata de una relación abusiva.  Ella se compromete a darle todo lo que él le pide. La persona a la que le canta  se aprovecha de ello e intenta apartarla, (de ahí la lírica: “puedo estar lejos durante días/ si es lo que me pides”). Chris intenta entregarse totalmente a este, pero como dice en el estribillo, le advierte que es humana y que por mucho que lo intente hacer las cosas perfectas, todos tenemos fallos: ( “But i´m only human/ and i bleed when i fall down”). “SOY HUMANA Y SANGRO CUANDO ME CAIGO”.

                                                                            Jennifer 

jueves, 30 de octubre de 2014

Comme un pittore





Modà é un grupo italiano xeralmente de pop rock.
Esta canción fai referencia ao amor e as cores da natureza facendo así unha mezcla entre os dous temas,aunque salienta máis as cores xa que o título significa " Como un pintor". O principio e o final empezan da mesma maneira, cun rasgado de guitarra. A parte da guitarra acústica tamén utilizánse as eléctricas e a batería. Ao achegarse ao estribillo á música vai acelerando e apréciase o momento de énfasis(punto culminante). Gústame por como soa a guitarra ,porque paréceme unha canción tenra e melancólica e tamén porque penso que as cancións en italiano soen ser moi bonitas.

martes, 28 de octubre de 2014

MELODÍAS OCULTAS



Esta semana hai podcasts da asignatura de Análise Musical I, o programa volve a ser o de Sonido e Oido de Fernando Palacios, e o tema é a melodía. O prazo para entregalo remata o martes, 4 de novembro .


melodías ocultas





Aquí tedes o enlace ao cuestionario.

viernes, 24 de octubre de 2014

GHALEGHO

Fantástico vídeo que se está a converter en viral feito por unha antiga alumna do centro, Noelia Gómez Calvo.  Parabéns, Noelia. Orghullosos de tí.








domingo, 12 de octubre de 2014

Nach - El Idioma De Los Dioses


Para mi primera exposición de la "música que nos gusta" he elegido esta canción de Nach, de su disco "Mejor que el silencio". 

 Nach es un rapero español que es reconocido mundialmente por el valor sentimental y realista de sus letras, su estilo es bastante variado aunque lo que más abunda son canciones protesta, canciones que hablan sobre sus sentimientos y varios elogios a la música.
En lo personal, para mi gusto es una de las canciones que mejor expresan los sentimientos hacia la música, mientras que mantiene una charla con la misma, diciéndole lo que piensa y nombrando a grandes autores, cantantes y estilos desde el siglo XX hasta la actualidad.

 En lo técnico, se sale de la dinámica básica del hip hop, que es encajar una letra en una base rítmica marcada. Esta canción es diferente, tanto por su ritmo como por la subida de intensidad que hace desde el principio de la canción hasta el final climático en el cual dice "eres el idioma con el que los dioses hablan, eres música", y termina dando unas pequeñas notas.

 La escogí por su forma de elogiar a la música de una manera diferente y creativa, y por su manera de transmitir lo que él siente por la misma. También me gusta de la canción los momentos en los que nombra a grandes artistas como John Coltrane, Jimmy Hendrix, Freddy Mercury... Además, cada vez que va cambiando de género o estilo, dentro de la base introduce una pequeña demostración del mismo, por ejemplo, mientras habla del rock mete un punteo típico de alguna canción, y mientras sube la intensidad mete riffs de eléctrica de heavy. Lo más importante, eso sí, desde mi punto de vista, es la letra.




Juan Carlos

domingo, 5 de octubre de 2014

Se a Cabo ~ Santana





A canción que escollín para presentar chámase Se A Cabo, é unha canción de Carlos Santana pertencente o seu disco Abraxas, (na miña opinión o seu mellor disco.)

Santa é un guitarrista de orixe mexicano, considerado un dos mellores no ámbito da guitarra eléctrica. Debutou no 1965 coa súa Santana Blues Band e, só catro anos máis tarde, asombrou ó festival Woodstock no seu ano máis memorable, xunto a outros artistas coma Jimi Hendrix, Creedence, The Who, Janis Joplin...

A música de Santana caracterízase por ter unha influencia enorme da música latina tradicional, a maioría das súas cancións son instrumentais e nelas a guitarra leva a melodía principal.

Se A Cabo: 

A canción abre cunha introdución na que se van sumando distintos instrumentos de percusión latina que levaran o ritmo na canción, son estos unhas congas, unhas tumbadoras, un cencerro, unhas timbaletas, un set de platos con chaston e posteriormente unhas maracas.

Logo comeza a primeira estrofa na que predomina o teclado acompañado pola guitarra e coa base da percusión, repítese dúas veces, hai unha ponte cuns cortes e comeza a segunda estrofa.

Na segunda estrofa é a guitarra quen leva a melodía principal, tras uns 15 compases a percusión queda sóa co baixo eléctrico mentras solean as timbaletas.

Novamente, incorpóranse a guitarra marcando 3 acordes que forman a melodía principal da canción (xunto neste caso coa voz, dicindo Se A Cabo), desta forma comeza o estribillo que se repite dúas veces introducindo pequenas melodías do teclado e a guitarra a modo de improvisacións.

Logo disto comeza a parte final, a guitarra toca unha melodía por riba dunha nota alta do teclado, vai aumentando a intensidade e a tensión coa axuda do chaston resolvendo finalmente con toda a instrumentacion tocando os 3 acordes ó unísono cun carácter forte tres veces seguidas, introducindo un compás de solo de percusión as dúas primeiras veces, e dous a continuación da última.


Por qué a escollín:

Aínda que este disco ten varias das grandes cancións de Santana (Oye Como VaSamba Pa Ti, Black Magic Woman...) escollín esta canción porque gústame particularmente a parte que ten a percusión, sendo a música latina o estilo musical coa mellor percusión de parche e de metal.

Tamén gústame a tremenda personalidade que lle dá Santana a guitarra, sendo instrumentais a maioría das cancións e sendo esta o instrumento principal (aínda que isto e moito máis visible noutros temas coma El Farol ou Europa)

lunes, 22 de septiembre de 2014

Comezamos o curso 2014- 2015 , Que é o que máis nos gusta?

1º podcast do curso.   Este vai ser o primeiro podcasts que escoitaremos no curso,  A data de remate para entregalo, será o vindeiro martes, 30 de Setembro. Este é o enlace para escoitalo

Sonido y oído - ¿Qué es lo que más nos gusta? - 08/06/09

E aquí o enlace que vos leva ao cuestionario que quero que contestedes.


cuestionario; Qué é o que máis nos gusta?

Do facebook vida de músico

sábado, 2 de agosto de 2014

Bicho. Videoclip de la Senda de Afra.


Ya nos vamos echando de menos, pero para eso viene bien el verano. Como sabéis tenemos el privilegio de tener en clase a la bajista del grupo que abre el Noroeste Pop-Rock, la senda de Afra. Así que disfrutemos de su videoclip.

miércoles, 28 de mayo de 2014

Cry for the Moon (Epica)

Epica es una badna holandesa de metal sinfónico fundada en el año 2003 pòr el guitarrista y vocalista Mark Jansen.

Su música mezcla la voz soprano de Simone Simons acompañada con guitarras melódicas y contundenes, usando voces guturales, coros y pasajes en latín, con un concepto filosófico en sus canciones. El estilod e al banda tmaibén nuestra sonidos cercanos al metal progresivo que han mejorado significativamente en los últimos discos, encontrando así por ellos misos el propio estilo de la música.

Escogí esta canción, porque me gustó la mezcla que hacia, queiro decir, el mezclar la voz lírica de la cantante con la voz gutural y el meter tmaibén un coro, que es aglo que al principio de la canción, después de esa introducción tan lírica y no me lo esperaba.

La canción empieza con una introducción de batería, voz e instruemntos de cuerda. Después de la introducción empieza a sonar el estribillo y aquí ya enta el coro, la guitarra eléctrica, el bajo y el teclado.

En la priemra estrofa continúan tocando los mismos instrumentos pero desparece el cor. El coro sólo interviene en los estribillos.

Después de la primera estrofa tenemos un puente instrumental que da paso a la 2ª estrofa. La segudna estrofa comienza con la voz gutual y después entra la voz de la soprano.

a continaución vuelve el estribillo y la útliam estrofa que es idéntica a la segudna.

Estribillo de neuvo, depusé viene otro puente, pero en esta ocasión el coro sí interviene. el puente da lugar a la coda, en la coda hay una modulación.

La batería hace un ritmo sincopado.



miércoles, 21 de mayo de 2014

Audiciones del viernes

Y no tengo perdón, porque me olvidé completamente. Aquí tenéis la lista de las audiciones que hicimos el viernes en clase.

viernes, 16 de mayo de 2014

Kaddish. Maurice Ravel.

Kaddish es una pieza musical perteneciente a la colección, Deux melodies hebraïques de Maurice Ravel.

Biografía:
Maurice Ravel nace en el País Vasco francés, en Saint-Jean-de-Luz, y cuya madre era de ascendencia vasca-española, además le recitaba canciones tradicionales españolas, que lo llevarán más tarde a interesarse por hacer música que evoque lo español. Desde niño ya recibía lecciones de armonía, contrapunto, composición y su ejecución era prolífica. Para principios de la última década del XIX ya ingresaba en el conservatorio de París donde formaría parte de Los Apaches y recibiría la influencia de Claude Debussy para continuar el Impresionismo, con el que pronto se convertiría en el afamado Ravel.

Algunas obras importantes:
Pavane pour une infante defunte
Cinq melodies grecques
Boléro

La obra:
Es una colección de dos canciones (Kaddish y L’énigme éternelle) ambas concebidas para piano y voz de registro medio-agudo y que luego orquestará (19-20). El primer debut lo realiza en junio de 1914 con la cantante Alvina Alvi. Por la cantidad de obras de este tipo, podemos decir que Ravel era gran admirador de las culturas milenarias: judaísmo (amigos-Alemania), Grecia (‘Cinco melodías griegas’), etc. En esta ocasión el Kaddish tiene una importancia adicional por ser su letra tomada de la oración homónima del judaísmo, dogma equivalente a nuestro padre nuestro, donde se exalta a la figura de Yahvé.

Exaltado y santificado sea su gran nombre, amén.
En este mundo de Su creación que creó conforme a Su voluntad; llegue su reino pronto, germine la salvación y se aproxime la llegada del Mesías, amén.
En vuestra vida, y en vuestros días y en vida de toda la casa de Israel, pronto y en tiempo cercano y decid Amén.
Bendito sea Su gran Nombre para siempre, por toda la eternidad; sea bendito, elogiado, glorificado, exaltado, ensalzado, magnificado, enaltecido v alabado Su santísimo Nombre (Amén), por encima de todas las bendiciones, de los cánticos, de las alabanzas y consuelos que pueden expresarse en al mundo, y decid: Amén.
Por Israel, y por nuestros maestros y sus alumnos, y por todos los alumnos de los alumnos, que se ocupan de la sagrada Torá, tanto en esta tierra como en cada nación y nación. Recibamos nosotros y todos ellos gracia,
bondad y misericordia del Amo del cielo y de la tierra, y decid: Amén (Amén)
Descienda del Cielo una paz grande, vida, abundancia, salvación, consuelo, liberación, salud, redención, perdón, expiación, amplitud y libertad, para nosotros y para todo Su pueblo Israel, y decid: Amén. (Amén)
El que establece la armonía en Sus alturas, nos dé con sus piedades paz a nosotros y a todo el pueblo de Israel, y decid: Amén. (Amén)”
Estética y armonía de la pieza

Ravel dibuja una melodía, lo que canta la voz, está cargada de ornamentaciones, fiorituras propias de un canto oriental. La parte inicial de la melodía parece formar parte de una escala española menor. Hay una mezcla de compases poco comunes con los comunes. Va modificando la armonía constantemente. Se estructura en dos partes, la primera sólo acompaña los primeros dos versos con algunas pinceladas por parte del piano de intervalos que empiezan en segundas y luego llegan a séptimas. La segunda sección está identificada y diferenciada por el acompañamiento, trozos de escalas, de esta escala española menor, en nonillos, decillos, seisillos y tresillos. Aunque pareciera mas bien que fueran acordes desplegados en arpegios, ya que la sonoridad que consigue al mezclar sol-lab-si-re y sol-lab-do-mib pareciera que estuviera haciendo todo el rato parte de una cadencia frigia aunque no en sensu estricto. Posteriormente va modificando la armonía hacia un rigor tonal con acordes desplegados, de mibM. Hasta que cante la sílaba amén va a persistir este acompañamiento, que luego volverá a las pinceladas, ahora graves y precedidas de figuras breves. Este clima de tranquilidad se rompe con acordes muy impresionistas que vuelven para acompañar una melodía más cíclica y melismática consistente en realizar escalas ascendiendo o descendiendo. Con esta melodía se pone fin a la canción.

Me gusta porque, además de estar enamorado del impresionismo, la sonoridad que consigue Ravel al mezclar escalas frigias o españolas o de tonos enteros acompañada al texto hebraico, es impresionante. Aunque mucha certeza musicológica no tenga la pieza, ya que muchos de los elementos que incorpora no forman parte de la música judía, esta canción no debería ser vista de manera idiosincrática sino que para mí representa una mezcla de sonoridades muy orientales-arabescas.



jueves, 15 de mayo de 2014

martes, 13 de mayo de 2014

23. Music for 18 musicians. Steve Reich

Vigesimatercer audición de las que entran en Selectividad. Llegamos al minimalismo de la mano de Steve Reich. En la definición de Ostinato habréis leído como el siglo XX recupera el uso de ostinatos, influidos de forma importante por la música popular, ya que eran muy importantes en la música africana. El minimalismo llega a su uso extremo construyendo la música mediante la repetición constante y con mínimas variaciones de ostinatos, los que superponen para lograr efectos polirrítmicos y de crecimiento.

Esta es la obra que debemos escuchar, la sección primera de la obra Music por 18 musicians de Steve Reich (aunque algunos deban cambiar de instrumentos, 1 violín, 1 cello, 3 voces femeninas, 2 pianos, 1 piano y maracas, marimba y maracas, 3 marimbas y xilófono, 1 metalófono y 1 piano, piano y marimba, marimba, xilófono y piano, dos clarinetes y clarinetes bajos y una voz femenina y piano.

la introducción se llama "Pulses" y el análisis que nos entra es el de la sección I . Su construcción es simétrica ABCDCBA y dejaos llevar por su poder hipnótico.






Aquí queda el enlace al descriptor y a la página del autor.

22. Pauline Oliveros. Bye-bye Butterfly

Recordamos la vigésimosegunda audición de este curso. Y la primera escrita por una mujer. Por cierto, que hace de su condición femenina un elemento contextualizador.

Tenemos el descriptor.



El vídeo  y un par de enlaces sobre la autora que aún vive.  last.fm nos da una breve reseña de su vida e importancia, y su propia página web.


Por si alguien tiene interés en descubrir más de Madame Butterfly, os dejo dos enlaces. El primero se corresponde con el aria que Oliveros utiliza en su grabación. El segundo es un vídeo que a mí me gusta mucho, de una película francesa titulada Opera Imaginaire, y que en su rápido resumen sobre el argumento de Madame Butterfly nos da una idea de cuáles son esas ideas sobre la condición femenino en la música del XIX que Pauline Oliveros pretende criticar.



lunes, 12 de mayo de 2014

21. Ionisation. Edgar Varése

Última de las audiciones que nos da tiempo a ver antes del examen del viernes. Ionisation de Edgar Varése,

Aquí queda el descriptor, pinchad aquí para ver la partitura, por cortesía del aula de electroacústica.

Unos apuntes para entender esta obra.- partimos del sonido organizado, y nos alejamos de los conceptos de melodía y ritmo.

La organización se hace a partir del esquema de sonata.- Exposición, Desarrollo y Reexposición.

Se basa en la yuxtaposición, repetición y variación de ideas musicales creadas a partir de timbres, ritmos y texturas.

Es un precusor de la música electroacústica y concreta.





sábado, 10 de mayo de 2014

Música y Significado.- dodecafonismo

También con ánimo de que nos ayuden a entender, y no de aumentaros el trabajo. El podcast  que Luis Angel de Benito dedicó al dodecafonismo.


Música y Significado.- Impresionismo.

Este es el último podcast del programa Música y Significado. Así que ni a mí me ha dado tiempo a elaborar el cuestionario, ni vosotros estaréis para responderlo a estas alturas de curso, y sin embargo, creo que os puede ayudar a entender lo que significó el Impresionismo. Así que aquí os lo dejo, para quién quiera escucharlo. Os anuncio que escuchamos La Mer, justo la obra que nos entra en selectividad. No lo analiza en profundidad, pero a nosotros nos puede servir de mucho.



viernes, 9 de mayo de 2014

IMPOSSIBLE.- James Arthur




INFORMACIÓN DEL CANTANTE
James Arthur es un cantautor, pianista y guitarrista británico. Se lanzó a la fama tras ganar la novena temporada de Factor X en 2012.
Tuvo una infancia problemática ya que los problemas familiares lo llevaron a hacer bullying en el colegio por lo que solía ser expulsado. Ya con 15 años formó una banda que se dedicaba a tocar en diversos lugares y, después de esto, fue cuando se presentó al concurso The X Factor. Tras ganar, su primer sencillo Impossible que es el que vamos a escuchar, tuvo gran exitó ya que llegó a número 1 en el Reino Unido y estuvo entre los 5 primeros en otros países. Además, gracias a esto, fue nominado a los BRIT Awards en los que ganó el tema Skyfall de Adele. Más tarde fue galardonado con otros premios así como también estuvo metido en polémicas sobre el contenido de sus canciones lo que lo llevó a perder algo de ese éxito que había logrado.
SIGNIFICADO DE LA LETRA
Este tema es un canto al desamor o al amor imposible, por lo que el artista lo que transmite en ella es un tiempo pasado en el que era feliz y en el que incluso le advirtieron que tuviera cuidado con el tema del amor, pero al enamorarse dejó de lado esa advertencia y después cuando todo se acabó, él terminó también destrozado, ya que todas las esperanzas que tenía con su pareja se desmoronaron y eran y son imposibles de realizar.
ESTRUCTURA
Este tema tiene una estructura sencilla ya que es estrófica por lo que nos encontramos con que está formado por tres estrofas la última de ellas actúa a modo de conclusión y un estribillo que se va a repetir después de cada estrofa.
En esta versión acústica podemos escuchar como hay una introducción mediante glissandos de piano y una vez que empieza a cantar James el piano realiza un acompañamiento muy acórdico y a este se le une la guitarra también con acordes. Un vez que empieza el estribillo tanto guitarra como piano cambian su forma de tocar ya que sobre todo la guitarra elabora más esos acordes es decir son de figuras más cortas. En la siguiente estrofa se vuelve a tocar como en la primera y lo mismo ocurre en el segundo estribillo que se va a tocar igual que el primero e igual que el último pero lo que sí cambia es la estrofa de conclusión ya que vuelve a haber glissandos en el piano y la guitarra acompaña mediante acordes de figuras largas. En cuanto al final el piano sube la intensidad para luego terminar de manera acórdica.
POR QUÉ ME GUSTA
Esta canción me gusta principalmente por la tímbrica del artista ya que tiene una voz muy personal e incluso, aunque no se aprecia mucho en esta canción, su voz rasgada. Por otro lado el hecho de que escogiera la versión acústica es porque me gusta mucho la mezcla que se hace en este tema de la guitarra y el piano aunque realicen un acompañamiento muy sencillo y por otro lado el hecho de que la voz expresa mucho más y llega mucho más acompañada así de pocos instrumentos y desde mi punto de vista siempre se llega más a la gente en versiones como esta porque permite poner el punto de mira en la voz del cantante.


20. “Danza del Molinero”(Farruca), de El Sombrero de tres picos. Manuel de Falla

Seguimos con las audiciones de la selectividad. La siguiente es la danza del Molinero (Farruca) del Sombrero de tres picos del gaditano Manuel de Falla.

Aquí podéis enlazar el descriptor

El descriptor no incorpora la partitura que podeís consultar en la página de Petrucci, ir a la página 122 del PDF y seguidla hasta la página 134.

19. Pierrot Lunaire 21 8. Die Nacht. Arnold Schoenberg

Aquí os queda la audición de Schoenberg. Ests dos versiones os pueden interesar. Aquí tenéis el descriptor







Aquí están la traducción de los textos de Giraud en los que se basó Schoenberg.

jueves, 8 de mayo de 2014

18. El Mar. Debussy

Llegamos a la 18 audición del curso. Este hermoso tríptico "El Mar" de Debussy. Hace mucho tiempo escuché decir que casi todos los músicos, lo mismo que los pintores retratan siempre el mar con la costa; sin embargo, Debussy nos había regalado un retrato del Mar lejos del hombre, lejos de la costa, en alta mar..... Un mar en movimiento, aunque por momentos también es un mar en calma; como decía Sylvia Plath "el mar, esa inmensa latencia".

Aquí os dejo el descriptor, que ya sabéis que nos lleva a la partitura y la audición.



Os dejo también un par de  podcasts interesantes.








Y aquí os queda el enlace al cuestionario del segundo..Es voluntario, sé que tenéis muchas cosas, pero si a alguien le apetece profundizar sobre el impresionismo o escuchar un análisis, os puede ayudar. Luis Angel de Benito, analiza en este 2º podcast las otras dos obras sinfónicas más conocidas de Debussy. El Preludio a la siesta de un fauno y  Sirenas, tercer número de nocturnos. Recordad que en clase, escuchamos el primero, Nubes.

Y aquí la partitura por si alguien no la recibió. 

martes, 8 de abril de 2014

Audiciones que utilizamos para repasar hasta el Romanticismo

Estas son las audiciones que escuchamos hoy, por si a alguien le apetece escucharlas enteras.


Textos del Romanticismo

Hoy vamos a analizar los textos que nos van a ayudar a contextualizar el Romanticismo.

Aquí tenéis el enlace

Jeunes filles au piano. August Renoir

lunes, 7 de abril de 2014

17. Nun will die Sonn so hell aufgeh'n de los Kindertotenlieder. Gustav Mahler

Llegamos al Postromanticismo con este hermoso y conmovedor lied de Gustav Mahler.

Nun will die Sonn so hell aufgeh´n .- Ahora el sol saldrá radiante


La música se sintió tan a gusto dentro de la ideología Romántica, comprensible, que mucho tardó en renunciar a ella. También es cierto, que mucho es lo que la música descubrió, hizo y creó dentro de ese estilo. Vamos pues con los epígonos del movimiento, en que la música ya está descubriendo y conociendo nuevos caminos. El postromanticismo 


Los kindertotenlieder, canciones para niños muertos, son unos poemas de Friedrich Rückert que musicó Mahler. Hay una serie de relatos que convierten a esta obra doblemente conmovedora. Por un lado, Rückert los escribió tras la muerte de uno de sus hijos y por otra, 

Alma, la extraordinaria esposa de Gustav Mahler le criticaba que trabajase en una obra tan trágica como si presintiese que su propia hija María moriría pocos años después. 





Tedes aquí o descriptor da CIUG

E este é o texto en alemán


"Nun will die Sonn' so hell aufgeh'n"
Nun will die Sonn' so hell aufgeh'n
als sei kein Unglück die Nacht gescheh'n.
Das Unglück geschah nur mir allein.
Die Sonne, sie scheinet allgemein.
Du musst nicht die Nacht in dir verschränken
musst sie ins ew'ge Licht versenken.
Ein Lämplein verlosch in meinem Zelt,
Heil sei dem Freudenlicht der Welt.
Y su traducción al Inglés
"Now the sun wants to rise as brightly"
Now the sun wants to rise as brightly
as if nothing terrible had happened during the night.
The misfortune had happened only to me,
but the sun shines equally on everyone.
You must not enfold the night in you.
You must sink it in eternal light.
A little star went out in my tent!
Greetings to the joyful light of the world."

viernes, 4 de abril de 2014

Mägo De Oz - Siempre (Adios Dulcinea. Parte II)

MÄGO DE OZ

Mägo de Oz es un grupo español de folk metal fundado el 7 de julio de 1988 por su batería Txus di Fellatio, alias “Pantani”, en el barrio Begoña (Madrid). Aunque inicialmente llamado Transilvania 666 en honor a Iron Maiden, el nombre del grupo cambió a Mägo de Oz porque, según Txus, “La vida es como un camino de baldosas amarillas, como en la película, en el que caminamos en compañía de los demás buscando nuestros sueños”. El cambio de nombre fue una decisión apropiada, ya que el grupo empezó a ser conocido por las letras y temáticas de sus álbumes, con elementos de fantasía, magia y misticismo, combinados además con hechos históricos literarios.
Desde sus inicios se caracterizaron por su heterogénea y peculiar propuesta musical de mezclar el sonido del metal y hard rock tradicional con el de otros estilo tan dispares como la música clásica, el tango, el gospel e incluso la ranchera. Sin embargo, la música celta es la que más ha predominado en el sonido de sus canciones hasta la actualidad, y a la que, en parte, deben su enorme éxito.
A lo largo de su historia, el grupo ha ido variando su plantilla, el único que se mantiene desde sus inicios hasta el presente es Txus, que se encarga de la batería, la voz, los coros y la composición de las obras. Actualmente, además de por Txus, el grupo está formado por los siguientes artistas: “Zeta” (voz y coros desde 2012), Carlitos (guitarra solista y bajo), Frank (guitarra rítmica, guitarra acústica y coros), Carlos Prieto “Moha” (violín), Fernando Mainer (bajo), Josema (flauta travesera, flauta dulce, pito castellano, gaitas, whistle y bodhran), Javi Diez (teclados, piano, sintetizadores, acordeón y guitarra) y Patricia Tapia (segunda voz y coros).

CANCIÓN

Siempre (Adiós Dulcinea, parte II), del álbum Gaia III: Atlantia (décimo álbum de estudio y último de la trilogía de Gaia, lanzado el 6 de abril del 2010).

TEMA

El argumento de esta canción forma parte de una gran historia narrada a lo largo de la trilogía musical de Mägo de Oz: Gaia. Esta trilogía cuenta una gran historia, dentro de la cual hay otras historias. Esta canción nos muestra el lamento de Pedro de Alcázar al recordar a su amada fallecida, Azaak. Azaak es una joven indígena acusada de herejía y encerrada por la Santa Inquisición. Finalmente, el juicio de Azaak termina con su muerte en la hoguera. Mientras arde, dice ser la reencarnación de Gaia y afirma que volverá para vengarse de la iglesia católica. Tras la muerte de Azaak, Pedro de Alcázar, que estaba enamorado de ella, se queda destrozado.
La historia del libreto es, cariñosamente, para Txus, su “pequeña novela”, ya que es el compositor de todas las obras que narran esta historia.



ESTRUCTURA

La canción comienza con una breve introducción del piano, que a continuación da paso a la voz utilizando el despliegue de los acordes. A partir de aquí, el piano se va a limitar a un acompañamiento, dejando el protagonismo a la voz. Después de la introducción a manos del pianista, comienza la primera estrofa, en la que sólo escuchamos la voz acompañada del piano. A continuación de esta primera estrofa, viene la primera aparición del estribillo, en el medio del cual se introducen los coros. Al finalizar el estribillo, entra por primera vez el violín, haciendo junto al piano un puente instrumental que dará paso a la segunda estrofa. En esta segunda estrofa, se añade la guitarra como protagonista entre los instrumentos y la batería pero de forma muy suave. Hacia el final de esta segunda estrofa también se añade la flauta. LLega aquí el clímax de la canción, en el minuto 2:44; hasta este momento, todo ha sido un crescendo progresivo a través del añadimiento de voces e instrumentos. Empieza entonces, en fortísimo, el estribillo de nuevo. Hace una modulación antes de comenzar la última estrofa. Tras esta última estrofa y antes de que reaparezca por última vez el estribillo, hay un solo de guitarra. El final de este estribillo aparece variado, ya que la última frase es distinta a la del estribillo que se había cantado hasta ahora, esta vez, el cantante cierra su intervención susurrando la frase “te quiero siempre mi amor”. Finaliza la canción con una parte instrumental a cargo de violín y piano.

¿POR QUÉ ME GUSTA?

De esta canción siempre me ha llamado la atención el papel del piano, sobre todo la introducción. Además, me gusta el conjunto de instrumentos que utiliza este grupo, me gusta la mezcla del violín y de la flauta con los instrumentos eléctricos y la batería, así como el acompañamiento que hace el piano en todo momento. He elegido esta canción por los motivos anteriores, pero realmente, lo que me gusta es la historia que intenta transmitir, pero no sólo en esta canción, sino en toda la trilogía.

ENLACE








Nereida.

jueves, 3 de abril de 2014

Wolfmother - New Moon Rising

Wolfmother es un grupo de hard-rock procedente de Sindey, Australia que empezo su carrera en el 2000. Su música se describe también como stoner rock, el cúal es un género que procede del hard rock y rock psicodelico y en el cual stoner significa " fumador de marihuana" (ya que muchas composiciones de este genero se hicieron bajo el efecto de la marihuana). El género stoner incorpora en su repetorio las guitarras afinadas en tesitura grave, un sonido pesado de bajo y una voz melódica. (se aprecia en el cantante que esta cantando con gran expresividad como si estuviera bajo los efectos de una droga).

El grupo estaba formado en el momento de composición de la canción por Andrew Stockdale(cantante), Dave Atkins (Batería), Aidan Nemeth (Guitarra) e Ian Peres (Bajo).

La traducción del título de la canción viene a ser Luna Nueva Creciente, que puede tener algo que ver con el significado del nombre del grupo: Madre Loba. La letra de la canción hace alusión a la transformación, pero en conjunto no tiene mucho sentido (habla de que la temperatura sube y los campos cambian y de un chico de pueblo que se lanza a la carretera a por una mujer)

La estructura de la canción es:

Introducción
Verso acompañado de pandereta
Riff principal de la guitarra
Estribillo
Verso
Riff principal
Solo
Riff
Verso
Coda

¿Por qué me gusta? Porque es un grupo que intenta conectar con las raíces del rock de los setenta en una época donde la música es cada vez más comercial y sintetizada.


miércoles, 2 de abril de 2014

16. En las Estepas del Asia Central. A. Borodin

Llegamos a la audición nº 16 de las que entran en Selectividad. Lo hacemos, adentrándonos en el Nacionalismo, en concreto el más Oriental de Europa, Rusia. Para afirmar su independencia artística, los nacionalistas rusos bucean en los aspectos más orientalizantes de su extenso pais. Esta obra es un buen ejemplo.


Aquí tenéis el descriptor de la Ciug

Y al audición






martes, 1 de abril de 2014

15. Rondó alla Zingaresse. Cuarteto con piano. Johannes Brahms


Johannes Brahms

Llegamos  a  Brahms  y a una de sus brillantes obras de cámara teñidas de virtuosismo zíngaro.


Aquí tenéis el enlace a la partitura y al descriptor



Por desgracia, el vídeo que pudimos disfrutar en clase no permite la inserción. Aquí os queda el enlace de Youtube para que podáis disfrutarlo

lunes, 31 de marzo de 2014

14. Nocturne en Mi b M. op. 9 nº. 2 Frederic Chopin

Esta es la décimocuarta audición del curso, romántico no, más ...

El Nocturno en Mi b M op. 9 nº 2. de Frederic Chopin. Aquí tenéis el descriptor de la CIUG
Y aquí tenéis la partitura



Un enlace para conocer algo de la historia del piano

Condensado pero de interés lo que supone el piano romántico

Outlaw Pete - Bruce Springsteen E Street band


Es un cantante, músico y compositor estadounidense. Apodado a menudo The Boss. Springsteen es ampliamente conocido por su trabajo con el grupo The E Street Band y considerado uno de los artistas más exitosos de la música rock, con ventas que superan los 64,5 millones de álbumes en los Estados Unidos y más de 120 millones a nivel mundial,y un total de diez discos números uno, un registro solo superado por The Beatles y Jay-Z.
En general, las canciones de Springsteen reflejan letras con aspectos autobiográficos, principalmente sentimientos centrados en Asbury Park o Nueva Jersey, o relatos de personajes ficticios o novelescos que se enfrentan a retos o a puntos de inflexión en sus vidas. También suele incluir preocupaciones económicas, sociales y políticas en composiciones
La E Street Band es la principal banda de apoyo de Springsteen desde sus inicios musicales a comienzos de la década de 1970.
Es una banda que sufrió cambios desde su formación hasta ahora. En esta canción podemos observar que nos encontramos con :
- Cantante principal y guitarrista
-Una violinista
-Un saxofonista ( ya fallecido ) que alterna la armónica y el saxofón
-Un bajista
-Un guitarrista principal
-Un glockenspiel
-Un pianista
-Coro de voces y percusión con panderetas
Es una canción perteneciente a su decimosexto álbum working on a dream (2009) género Rock
Esta canción empieza con un acorde bastante largo ( no se si lanzado desde la guitarra o el sintetizador) al que le sigue la batería de modo suave ( solamente haciendo sonar los platillos), un bajo hecho por el piano que se repetirá a lo largo de todas las estrofas con pequeñas modificaciones y un instrumento clave que es l armónica, tocando esas nota típicas de películas del oeste ( ambiente en el que se mueve la historia de esta canción). Mientras Bruce Springsteen nos va contando la historia entre frase y frase hay una breve intervención de la guitarra principal ( toca dos acordes) para darle más tensión a la canción. Eses acordes en un momento determinado nos llevan a un pequeño estribillo que es remarcado por la bateria pero sigue con el mismo esquema melódico que en la primera estrofa.
En este estribillo ademá se introducen las panderetas como acompañamiento rítmico y
el violín como acompañamiento armónico. Mediante una pequeña intervención del coro de voces que actúa como puente pasamos a la segunda estrofa donde continúa la historia. Esta trofa observamos que es igual a la primera pero con más fuerza debido a la integración de algunos instrumentos. Ahora el que actúa de intensificador entre frase y frase es el piano mediante ese puente de coro de voces pasamos a la tercera estrofa que vemos como existe un cambio de tonalidad. La base sigue siendo la misma pero ahora existen pequeñas intervenciones del violín utilizadas como puente para llegar a una parte con un ritmo más acelerado. Aquí en el siguiente estribillo vemos como no existe un puente sino que tiene el mismo ritmo que la estrofa y al contrario con los otros anteriores es más largo donde hay un interludio musical (al que podemos apreciar que se le añadió el saxofón) toca toda la banda. La siguiente estrofa sigue el mismo modelo que las anteriores pero con un ritmo más rápido y mediante un puente del piano pasamos a una sección lenta y con cambio de tonalidad, ae qui simplemente tenemos el acompañamiento del piano y la bateria, donde hay intervencions de la armónica para que dé la sensación que en vez de estar cantando un canción lo que está haciendo es contar una historia y mediante unos redobles de batería entramos en el estribillo que va cogiendo intensidad ya que su velocidad va aumentando para llegar a la siguiente estrofa . Después de esta estrofa tenemos otro interludio instrumental de toda la banda con clara predominancia de la guitarra y el violín Después de este interludio hay un parón en seco donde solo queda sonando el piano ( quiere hacer el mismo efecto de antes de parecer estar contando una historia). El violín interviene de manera dramática para darle más emoción a lo que está diciendo, algo triste finalizar tenemos El último estribillo que va aumentando en intensidad y que acaba con la intervención de una parte instrumental de toda la banda.

Esta canción nos cuenta la historia de Pete, un forajido del oeste que desde que era niño tuvo que aprender a buscarse la vida para sobrevivir ( robando, matando…) cuando se da cuenta de que ya no quiere ser así si no que quiere formar un familia y vivir tranquilo sin estar jugándose la vida ni haciendo daño a la gente se enamora de una mujer y tienen una niña. Un dia aparecio el cazarrecompensas Dan para matar a Pete por todo lo que ha hecho en el pasado ya que piensa que sigue siendo el mismo y no ha cambiado por lo que pete es más rápido y lo mata primero, Pete no quiere poner en riesgo a su familia ni estar toda la vida siendo perseguido así que decide marcharse lejos en la canción deja entrever que se suicida y que hay diferentes versiones sobre su desaparición.

Vemos que esta canción a medida que avanza la historia aumenta en intensidad para darle más emoción, exceptuando los momento claves de suspense, dramáticos.

Esta canción me gusta por la melodía que tiene, por la historia que cuenta y que sentimiento le da a esa historia .